大源麻友 Mayu Daigen

雖然畫面看起來充滿了宗教的氣氛，但主角卻不再是神明，取而代之的是人盡皆知的童話故事的人物，白雪公主或是艾莉絲，畫面和人物結合在一起非常特別，東方加西方的感覺非常讓人玩味，而他的畫工也非常不容小覷，作品的畫面都非常精緻，也非常細膩。

加藤木麻莉 Mari Katogi

加藤木 麻莉Katogi Mari

1981 生於日本茨城縣，畢業自日本學習院大學經濟系，現以插畫家身份居住於東京。2003 年起在網路上發表插畫作品，2004 年於廣告公司的銷售部門工作，2005 年起轉為自由專職插畫家。作品包含書封、廣告、雜誌、網路等插畫設計，在東京多有展覽展出。

她的插畫世界可說是以女孩為中心在運轉，在這樣的世界中連男孩都顯得中性而模糊，有著隱性的魔性。在偏離現實時光色調的畫感中，一切都極度純粹，靜置著非尋常的肢體情狀以及超懷古的時下感。<dpi 第138期>

加藤木的作品中有很多是重現了經典童話故事的場景，以他的方式和角度去畫出他心中的童話故事，重新詮釋了他所認知的故事，多了一份溫馨與清新，雖然畫面中非常華麗顏色也很繽紛，但卻不過流於俗艷也不會過於繁雜，反而畫面有重心也有一種凝聚力，雖然畫面陰影部分很少，但卻不會讓畫面平面反而更加重了他的個人風格。

Sol Lewitt 小組討論

索爾·勒維特（1928年9月9日-2007年4月8日），

美國藝術家，藝術研究包括概念藝術和極簡主義。

60年代末，研究包括素描，版畫等的多種媒介的繪畫。

他自1965年在博物館和畫廊世界各地舉辦數百個展。

他多產立體圖型，從牆畫（超過1200件，包含已經被人工毀壞的）到金字塔的幾何形式的結構。這些作品的範圍包含了不同規模大小的裝置和巨大的​​戶外作品。

他的開放式「模塊化」結構的頻繁使用來源於立方的形式，影響了他首次成為藝術家的想法。

(1)Sol Lewitt的作品提出來的觀念有哪些?(他的意念在哪?為什麼要使用那些色塊或線條?)

他舉出觀念藝術與科技藝術之間的複雜與矛盾：「在觀念藝術中最重要的是有關作品本身觀念的想法…觀念變成一種製造藝術的機器…當代藝術面臨的最大的災難就是要不斷面對新的材料…其危機在，過於強調材料的物理性質以致於取代了作品的想法。」

「許多成功的觀念都是最直接簡單的，因為那看起來就像是必然如此。」（Most ideas that are successful are ludicrously simple. Successful ideas generally have the appearance of simplicity because they seem inevitable.）

勒維特是美國60年代的概念與極簡主義藝術先驅，他主張創作應排除所有複雜元素，回到最基本的表現形式，因此他在創作上僅使用簡單的線條、幾何圖形與色彩，在平面的畫布與牆面上組合出多變的造形與奇幻的空間層次感，看著其畫作中既瘋狂又理性的線條，就像是進行一場視覺的測試，不斷重複的色塊與線條，像有魔力般能將觀者拉進其異境中，絢爛且迷幻，但有時卻又讓人感到眼花繚亂，只好趕緊閉上眼睛免受迷惑。

(2)介紹Sol Lewiit的作品。

《Wall Drawing #879》

968年以來，Sol LeWitt創作了數以千計的牆畫。從最初單調的垂線、直線構成畫面，到出現連綿不絕、設計精妙、形狀規整的圓、三角形等幾何元素。

總體而言，黑、白二色是Lewitt牆畫概念的核心，即使是在那些色彩最為絢爛的作品中也一樣。黑色和白色真正構築了藝術家的作品：「他早期的作品主要使用鉛筆，後期偏愛石墨。」根據所使用的材料和繪畫技藝的不同，黑白表現出強烈的對比，而各種灰度的微妙變化加強了光影的效果，會讓作品更富生機。

《Wall Drawing #879》，又名《LoopyDoopy》，象徵藝術家實踐的劇烈轉向。它有別於初期系統化和模式化的典型風格，是LeWitt作品中的一個異類。

(3)相較於極簡藝術，Sol Lewitt認為他的作品比較偏向觀念藝術的條件是什麼?

Sol Lewitt認為繪畫、創作是沒有內容的，繪畫即是繪畫，畫布即是畫布，它不需具有任何的意義，觀賞者感受到的是最直接的視覺反應。他曾說：「觀念是創造藝術作品的機器。」他的許多作品都是經由構思後，再經由一連串的說明，由他人代勞而成的。

關於製造，可以自已動手作或委託完成，觀念藝術家勞倫斯 懷恩納（Laurence Weine）於1968年在美國新藝術雜誌上也明確的指出三種（觀念藝術）呈現的方法：一、 藝術家直接實現其作品。二、作品可由他人來實現。三、作品並不一定要實現。

Sol LeWitt很多的作品能被任何人製作，因為只被一堆的文字描述所記載。

當意識到這種個人化視野的獨特性後，他放手將製作的手法交給他人，Sol Lewitt想像的是，做為與牆面的一種嶄新的 「對話 」，每個不同的詮釋者對此的體驗都是不一樣的：「 製圖者開始感覺無聊，隨後，通過這種無意義的活動，開始發現了一種平靜或者痛苦。」在 Mass MoCA, 那些即將因為實現這些畫作而獲得這種體驗的人們（這種體驗因藝術家過世後，而具有了嶄新的重要性），是二十四名與勒維特工作的助手，是來自耶魯，威廉姆斯，馬薩諸塞自由藝術學院以及世界各地的學生和校友們。勒維特革命性的創作所衍生出來的潛能和力量將直接被完成這些牆畫的人們以及來此觀看的人們所領略體驗到。

他認為創作的理念、想法才是最重要的，當一個藝術家使用觀念的藝術形式時，就意味著所有計劃和決定都已事先作出，而後續的執行到完成就成為了例行公事。雖然他的作品在視覺表現上比較接近於極簡主義，但使用現成物、某種發明、裝置等的觀念藝術才更接近他所想要的最直覺性地傳達風格。

亞洲巡弋_看展心得

1) 展覽中你最欣賞的作品是哪一件？
在這些作品中，我最喜歡莊普的，在一間又一間的舊門與木造牆面中，我們能穿梭在狹小的巷弄中，當我在其中的時候，不禁讓我想到阿嬤家，那樣的場景，比鄰而居的感覺，然後門後方，不是我熟悉的景象，反而是一片白，讓我聯想到已經被拆掉的阿嬤家，只能以我記憶去回憶的地方，看了特別有感觸。

2) 展出四個主題中哪一個主題與作品你覺得最為相符。
隔絕今界  /金善姬 韓國
我覺得這是最相符的，這個主題中的作品給人一種夢境中的感覺，好像到了另一個世界，雖然是我們熟悉的物品，但又似乎不是那麼真實。

3) 請詮釋四個主題之間相互呼應的關係。
四個主題分別闡述了四位策展人對亞洲現今的狀況的不同詮釋，因為身在不同的國家，觀點上或許有所不同，但這四個都是我們和現在的環境所處的潛在問題。

Josef Alber 與 James Turrell

1) 這兩位藝術家各自的創作背景與創作媒介

Josef Alber-
Josef alber是二十世紀最重要之藝術家與教育家之一，無論是放眼現代藝術史，或是從現代藝術教育的發展來看，亞伯斯都是備受尊崇且具有深刻影響力的人 物。 亞伯斯自1920年代初完成德國包浩斯(Bauhaus)學校的課程後即被聘任主持玻璃作坊，隨後又接掌包浩斯最重視的基礎課程，成為首位在母校任教的包 浩斯畢業生，也成為包浩斯在工藝、設計與建築的概念革新與現代化轉向上的主要舵手之ㄧ；1930年代隨著包浩斯被迫解散而移居美國，自此先後在黑山學院、 哈佛大學、耶魯大學任教逾四十年，終其一生致力於藝術教育的同時，也未曾停歇對於藝術創作的探索。
    包浩斯的理念得以在美國發揚光大，繼而在全世界對現代建築與設計產生無與倫比的影響，亞伯斯扮演了關鍵的角色；在藝術教育方面，長年的教學相長累 積出二十世紀最具啟發性也最著名的色彩認知理論，1963年問世《色彩的交互作用》(Interaction of Color)至今仍被認為是視覺色彩研究的經典之著；在藝術創作方面，由於亞伯斯對材料、形式與色彩的純粹化、簡約化的探索鑽研，使其自1949年起持續 發展《向方形致敬》(Homage to the Square)系列畫作，此系列的典型構圖係畫面上三或四塊方形單色色塊以等距離逐一內縮，平面上的色塊呈現出嚴謹的幾何層次進而賦予觀者三度空間的視覺 感，此系列也成為他最著稱的藝術「標誌」，他探討形與色關係的藝術與觀念對美國現代抽象藝術的發展產生重大的衝擊與影響，開拓幾何抽象繪畫的新領域，也成 為美國「歐普藝術」(OP Art)與「硬邊藝術」(Hard-edge painting)的先驅。

James turrell-
James Turrell是一位以空間和光線為創作素材的當代藝術家。善於將光線「可視化」的裝置藝術家，這位原本是唸心理學與數學的藝術家，透過精密計算與對身體感知的了解，將我們因太過熟悉而忽略的光影變化「具象化」，如視覺戲法般地賦予觀者魔幻的感受
光和空間的互動，以及觀者和作品之間的互動。


2) 這兩位藝術家如何在作品中進行色彩的探究

Josef Alber-
「形式的均衡」
亦可稱為「對稱的均衡」﹝symmetrical balance﹞，是指以中心兩邊，具有相等或相當的視覺量而形成的靜止現象。一般紀念性的建築物常採取對稱的均衡原則來設計，對稱的均衡賦予作品穩重、莊嚴、寧靜的感覺。

James Turrell-
以色彩創作讓人感覺作品有空間感，讓作品富有質量和空間的延伸，但這些卻都只是投影所給我們眼睛帶來是視覺錯亂。james turrell自己闡述：“我將光當作一種材料， 但是感知才是我的媒介。我希望你能看你所看，感你所感。”他希望他的作品可以增強人們的感知，並且將這個感知延伸到一個供人沉思和啟示的場所。


3) 比較這兩位藝術家的創作過程與展出方式

Josef Alber-
硬邊藝術（Hard Edge） 產生於５０年代中期，試圖用幾何圖形或有清晰邊緣的造型，創造一種新風格和當時流行的抽象表現派相抗衡。他們拋棄抽象表現派常用的色彩明暗對比和有立體空間的畫面效果，代之以重視色相對比和平面感的大色塊。於1959年由美國評論家J ．蘭納命名的。

James Turrell-
James Turrell作品挑戰人們快速觀看藝術作品的習慣。他認為觀者在一件藝術作品上花費的觀看時間太短，以致於無法認真欣賞作品本身。變化萬千的光線讓觀者仿若跌入於長日將盡的魔幻時刻空隙之中，讓人暈眩又不由自主地凝神觀看，他曾說：「有時候在觀看某些東西的時候，我會有點急躁。老實說，蒙娜麗莎在洛杉磯展出時，我只看了13秒。但是，你知道的，現在有一個慢食運動。或許我們可以來個慢藝術運動，花一個小時來欣賞作品。」「我的作品是創造一個空間讓光得以棲息，而觀者如何面對這個空間。通常，我們張著眼，卻對光線視而不見，這提醒了我，我們必須要有另一種觀看的方式。」

Jackson Pollock 小組討論

1.Jackson Pollock的非具象繪畫手法是什麼?

美國畫家波洛克（Jackson Pollock 1912-1956 年）
是抽象表現主義中的「行動畫派」（Action Paining）裡最著名的代表人物。
他受超現實主義和德國現代畫家漢斯.霍夫曼的影響，
主張繪畫的行動要比繪畫的主題或觀念更為重要。
波洛克將沙子、玻璃碎片或其他物品摻雜在顏料裡，成為稠厚的流體，
再以畫筆或一根棒子將它們滴、灑、噴、甩在畫布上，完全摒棄造型和描寫的形式。
波洛克的噴、灑、滴、甩技巧和大膽的素材運用；
但他不贊同過度放肆地重複滴、甩等技法，或摒棄太多造型，
或捨棄其他多樣的呈現媒介或形式，造型就是他的信仰。
波洛克“動態繪畫”的創作過程很奇特,他先把畫布釘在地板上,
然後用棍棒澆上油漆，隨著畫家自己的走動,任其在畫布上滴流,
他說他的創作是潛意識的衝動。
"當我畫畫時,我不知道在畫什麼？只在完全以後,我才看到我畫了什麼。"
他先把畫布鋪在地上，以直覺或偶然因素來表現畫家的下意識，
形成灑滴彩色的作畫方法，大約是在1947年。
他的技術結合了他身體的運動，指他有控制，塗料的粘性流動，
重力，油漆吸收到畫布。它是可控的和不可控因素的混合物。
扔，滴，淋，和飛濺，他會使勁移動畫布四周，
彷彿在跳舞，也不會停止，直到他看到了他想要看到的。
評論家哈羅爾·羅森堡（Harold Rosenberg）曾說：
"動態繪畫"與畫家圍著畫布作畫的動作有關係，
它引起了對繪畫過程的注意，
把作畫過程中留下的潛意識行庶效果作為藝術的創造，
一部分理論家們斷定這是抽象表現主義的一大貢獻。
可是另一位有實踐經驗的畫家說：
“當人們面對畫布作各種滴彩動作時，決不是單純的偶然性動作，
他仍要受到經驗和思考力的制約。”
我們從波洛克這些作品的色彩規律性上發現，
他的滴灑動作並非完全是非自
主的潛意識行為，相反地存在著"構思"的選擇機能。
觀賞他從1947至1951年間所作的抽象畫，
我們會發覺畫家所"構成"的是一種總體均衡的美，
有流動的和諧和自然激情的藝術魅力。

2.請選出Jackson Pollock的一件作品做分析。
(藝術家的生活背景對創作的影響?歷史對於創作者的影響有哪些?以及針對藝術家在創作時的身體狀態等等加以分析。)

Lavender Mist

創作於1950年(滴水期)，在水滴和飛濺的混亂組合創建創建圖層

就是以單純的潑墨噴灑模式所製作的，

作品上的潑墨軌跡的多到幾乎無法複製的程度，

很明顯得它所具備的就是以純粹的單一模式所創造出來的抽象表現主義作品，

沒有具備功能性或是批判反思等的藝術目的。

波洛克將畫所產生的氣氛表達到巔峰，技術上在濕油彩溶進其他顏材裡，

畫面佈滿了小小的黑點，散撒在淺暗粉紅上，產生出另一種不可思議的色調，

在隨意的動作中卻被下意識的潛力所操縱，他在畫前的構思是一絲不苟

，刻意的安排，製作時卻是隨意，自由地奔放，讓潛意識掌管，

他曾說：“我在繪畫時也不知道在什麼程度才算完全，

只當我停止動作時，就是這幅畫完全的時刻”。

波洛克畫的精髓是畫的製作過程，是一段經歷，而不是畫的成品。

你可以和這過程起共鳴，感受其經歷，他的畫是一段旅程，而不是旅程的終點。

故此絕不能假造這經歷，最多只有模仿而已。

《淡紫靄》原名《壹．一九五零》

畫的色並沒有紫，而是由藍、白、黃、灰、赭色、粉紅和黑色，

畫右上角的手印，除為署名蓋章的作用外，

最重要的是表達畫的平面性， 是二度空間的概念。

在顏料中加入砂石碎，碎玻璃和鋁碎等材料，

他的滴彩是從美國印地安人的沙畫Sand Painting得到啟迪。

他的手法和藝術媒材使用，拓展蔪新的方向。

用豐沛的活力，抽象的符號，錯綜複雜的構圖，

強勁的線條自由奔放的潑滴，

波洛克溢出了激情、豁達與豪放。

組員心得

純粹的不經意的揮灑，以創造大量的重疊層次，為畫作的視覺目的，而這目的其實很簡單，值得品味的是創作過程的激情，勝過最後的畫面。

抽象的創作通常比較偏向於不假思索，將最原始的情感傳達出來，用最直接的方式述說於畫布上。沒有一絲絲的理性左右創作，一層一層的情緒，用狂野、激情、豪放的技法全然表現出來。

其實jackson pollock的作品最重要的並不是最後的作品本身，而是他的行動藝術，在他創作
時的過程，身體的擺動幅度，顏料的濃稀程度，潑灑在畫布上所造成的視覺衝擊，才是他作
品之中最值得仔細玩味的

在Jackson Pollock的作品中，繪畫的主題和概念並不次最重要的，相反的他認為，在繪畫的
過程中行動與感受才是重要的，不需要過多的規範和拘束，淺意識更能激發他作畫的衝動，
他自在的揮灑讓顏料流下，但卻又賦予了每一滴顏料意義，在畫面中達到一種平衡，他享受
的不是結果，而是過程。

2013台北國際藝術博覽會

        這個展覽真的好讓人驚豔!其中不外乎會出現畫技非常驚人的作品，但最令我驚訝的是很多作品都是以意外的手法呈現，利用常人所知道材料去表現，而成果非常完美，嘆為觀止令人震撼。而且還有一個穿著一身粉紅的日本人在現場就畫了起來，但是我看到的時候他已經畫完了。

        整個會場彷彿一個大型交易所，很多人都坐在一個小桌前對著作品議價，而且作品都非常高價。

如果我有錢我想買這幅畫。

        雖然內容非常充實，但是會場實在是太大了，一開始很仔細的看但是到最後都走馬看花，好希望一張票可以玩兩天喔。